AND NOT ROOTS, NEVER PLANTS!

          
系2008年7月应刘禹之约自博客、笔记本中摘选聆听随笔若干。
   
   
####[博客中国时期]########################

2003.12.09
Antimatter -2003- Antimatter vs Antimatter
一张不错的电乐专辑，器乐、采样、Glitch 合力构成的一种氛围实验，gilded pallor 中加入美声的做法让我想起了Biophere，而 deturn 灵活的地加入了印度元素，提琴和Sita交相loop，其间是嘈杂的电波抖动，三者混沌间融为一体，在隆隆的背景中让音乐呼吸下去。总的来讲，音乐充满了感性化色彩，手段上不是很激进，但是它所建造的情绪化的声体无疑是很成功的。

2004.01.06
Chris Watson -2003- Weather Report
　　草草的听了一遍，作品展现的是不同气候、季侯条件下的生态景观，既然是写实，当然离不开鸟兽鸣叫、雷雨交加，不过较印象深刻的是一团苍蝇的声音，在空间中忽远忽进、忽上忽下，这是局部审视的妙处；而全局考察则是对气候气象的变化过程中依附于自然规律的声音事件的变化，所有的生物在无机环境的改变中轮番上场，构成活泼的自然运动的一面，同时亦反映出作者对生态环境的有目的性关注。

2004.02.20
Supersilent
所剩无几的时间里听了听Supersilent，Supersilent的沉静是非常有魅力的，从《4.1》开始，这种变化趋势显露出来，在专辑《5》中达到极致，不再是1-3、4中那么的变化多端莫能一指，而《6》是在喧嚣中渗透着幽暗的沉静… 无论器乐、电子还是人声，无论编作还是即兴，超静始终游荡在乐海里，寻找着不可表达的一切，把它们沉淀在音声中，用简单的数字标题引领着，奔向我们耳内，然后千万种奇妙的解猜一并进行，千万个迤逦的世界同时产生！

2004.05.01
BBC Symphony Orchestra -2004- John Cage - 4′’33” (1952)
三点思考：
1，四分三十三秒的初衷是让在场者注意到周围环境声音，现在重新演奏这个作品，是否也能重新表达这个初衷呢？很多人纯粹是为了新奇好玩，甚至连演奏者你都可以看到，他们像做游戏一样的在笑；
2，当一个乐章结束翻乐谱时，椅子的扭压声、纸的震动、咳嗽，这个是不是433精神？如果你为这个作品的再现而刻意设定或者现场刻意强调了这种“表演”，他和原来的《4′’33′’》已经貌合神离了吧？
3，问题来自媒体传播，电视转播和录像呈现在另一群观众面前时，433已经彻底被有线无线设备调变了，mic筛选了现场的声音状况，观众关注到的是一个过时的闹剧，而不是现场周围被人们忽略的声音。

2004.05.08
Artemiy Artemiev -1999- Mysticism of Sound
Artemiy Artemiev是Edward Artemiev的胖儿子，而Edward Artemiev是给电影大师塔尔科夫斯基作配乐的俄罗斯电子音乐先锋，也不知道是儿子秉承了爹爹的衣钵，还是爹爹给了儿子的遗传，反正这张专辑多少有那么一点看老塔片子时的幽静感觉，大概是中文乐评里说的玩Echo的缘故，音乐是没有突发事件的，一切都在所谓“神秘”的空间里荡来荡去，像遭遇一艘沉在水里多年的烂舟，或者一次临近闹市区的不安睡眠，不过快进式听完这个专辑后再看看四段track的个头，让我想起照片上Artemiy Artemiev的那个模样——肥硕、冗余。
Justin Bennett -2000- 无尽的声音之1：Ocean
这个作品最先也是在1992年出现的，当时是一个装置的音轨，《海洋》不是属于水的海洋，而是属于短波收音讯号的海洋，这个海洋也在流动着、荡漾着，尤其是他的荡漾让人有时间空间的双重联想。Justin Bennett的这个 “无尽的声音” 限量发行100张，碟片装在透明的CD盒子里，不过没见过，听到mp3还不知足？
Ghazal -2003- The Rain (ECM 1840)
转载一段小评论：
伊朗Kamancheh演奏家Kayhan Kalhor和印度sitar琴手Shujaat Husain Khan合作完成的即兴演出。Kamancheh和sitar的对话热情且轻灵，而在最高潮部分，总有Sandeep Das适时敲入的tabla。
我空腹听了这张专辑，思路比较清醒，而且听法有点不一样，我是仰面朝天横卧在床上，两腿打坐支在墙上，就像打坐在墙上一样，音箱在我头顶上方，声相反过来了，右边是Kamancheh，中间是sitar和人声，左边是tabla，我左臂枕头，右臂遮眼，进入这个追逐玩闹的世界。非常非常喜欢第三轨《Eternity》，前面部分乐器各自独立又互相照应着发展主题，慢慢的接近，交互，然后sitar一下一下的释放感情，kamancheh在后面跟随着，当sitar积蓄的感情无以维系时，他像“行板”那样快步走起来，kamancheh并没有停止他的跟随，他变为弹拨演奏和sitar并行运动，直到 sitar结束行走后继续互相交谈，并且tabla自然而然的加入，达到一致后，三件乐器居然能够同时同步的放出能量，节奏、张驰亦印和得天衣无隙，即兴到这个境地让俺吃惊不小。最后时分他们像脱缰的野马，又像拼织在一起的丝线，高潮并有力的结束，漂亮的二十分钟。
VA -2003- Disc0 Disc0 Compilation Vol II
这张合辑里有三个作品觉得非常之棒：
2.Andrew Lagowski ” Cuevas ” (Uk)
4.Sunao Inami(稲見 淳) ” Eel ” (Jp)
12.Hideko Kawamoto(川本秀子) ” Stroke of a Wing ” (Jp)
Warp 早期作品选听 part.2：
Warp 20 ~~ Warp 46
The Sabres of Paradise 94年的出品音色上更抽象一些，虽然进第二轨4分钟后仍然觉得boring，但其后数轨并非总是不爽，仔细听那些dub化的漂亮节拍，比他们的首张成熟多了。如果年轻的人们不知道什么是G spot，那么他们有可能找不到Speedy J的《G spot》的G spot，而对大拍子或碎拍子感兴趣的我，认为《G spot》的G spot位置在《The Fun Equations》，Trance丛中一 点红，而且真的仅此一点，这一点和Sabres of Paradise一年后的专辑共同预示着big beat即将风暴袭来。LFO 则保持着一贯的风格，《Advance》中古老的音色还在砸击那薄弱的音轨，搜索成品，会发现ambient部分的创作相对更加出色。Disjecta 《Clean Pit and Lid》带有工业机器般的重拍和聪明的节奏，连封套设计都是酸蚀墙壁那样的斑驳残缺。Jake Slazenger 96年的专辑探讨了带着Electro和乐队回到80年代的可能？那算是IDM和Exp Techno如日中天时的一股逆流吧。ok，清档，删除文件。

2004.05.09
World Percussion Listening part.2:
├─Karnataka College of Percussion -1997- River Yamuna 南印度
├─Oreka TX -2001- Quercus Endorphina 西班牙
├─James Asher -2002- Shaman Drums 新纪元
├─Kodo -1994- Best of Kodo 日本
├─Glen Velez -1990- Ramana 美索布达米亚
├─Glen Velez -1998- Rhythms of the Chakras
├─Bob Moses & Billy Martin -1987- Drummingbirds  欧洲
├─Dhol Foundation -2001- Big Drum: Small World 英国
├─Mark Seidenfeld -1996- Drums of Death (African Voodoo Funeral) 非洲
├─Harem -2001- Harem II: Time of Rhythm 土耳其
├─Hossam Ramzy -2000- Sabla Tolo: Journeys into Pure Egyptian Percussion 埃及
├─Adama Drame -1987- Great Masters of Percussion 西非
├─Doudou Ndiaye Rose -1994- Djabote 西非
├─VA -1994- Percussions of Guinea Vol.2 西非
└─Stephen Jay -1988- West Africa: Drum, Chant and Instrumental Music 西非
记载：
· Adama Drame 是来自法国的金贝鼓大师，有文献记载他在1987年时就用单程打鼓，即不用重复录音来获得音轨上的多声部，只靠两只手一次性完成，厉害。金贝鼓基本上有三种音：甩手音、闷音和低音。Doudou Ndiaye Rose 也是演奏西非传统音乐，不同之处在于他是和大打击乐团合作演出。
· James Asher 所作乃是超级世界融合之新纪元音乐，印度、中东、非洲等等，加上吟唱和电子，拖拖拉拉那么一张专辑。
· Karnataka College of Percussion 是南印度打击乐团，Yamuna河畔，有一种一色非常特别的弦乐器——vina，《River Yamuna》就是这个打击乐团和vina 演奏家 K. Raghavendra 合作的专辑。
· Kodo 就是著名的日本鼓乐团“鼓童”，成于日本佐渡岛，苦练太鼓十载，81年才正式演出，至今演出上千场次，到访过40多个国家，轰动西方世界，富有传奇色彩，因为海外广受欢迎，他们还曾获过“日本外务大臣奖”。
· Oreka TX 是西班牙斯巴达地区的一个duo，用一种叫做txalaparta的木制乐器演奏当地的传统音乐，但是这对年轻人并没有墨守陈规，他们那传统做实验，音乐跨界到喉歌甚至还有凯尔特元素。
· 《Drummingbirds》只知道很古老，竟然有 John Zorn, Iggy Pop 参加制作。
· THE Dhol Foundation (TDF)是英国朵尔鼓学术研究组织，专业传授传统印度打击乐，专辑制作乃是Techno化、Ambient化的现代邦戈拉音乐。
· Glen Velez 与美索布达米亚的关系只是他的打击乐的源头是美索布达米亚的，他是墨西哥裔德克萨斯人，他打一种 Frame Drum，音乐有跨界性，和此人的学者风范有关，《Rhythms of the Chakras (七个脉轮)》就是个很好的证明，依印度瑜伽的学理，人有七脉轮：海底、生殖、脐、心、喉、眉心、顶，各有功控，修为不同，专辑主题依此而起。
· Harem 是土耳其打击乐团，音乐以现代舞曲跨界为主，比如House、Trance、Hip-Hop等，现在这样的乐团好像越来越多了。

2004.05.15
Jonty Harrison -1996- Articles Indefinis
“非声音物件”，矛头指向 Pierre Schaeffer 的“声音物件论”、“简化聆听”观点，现在来研究伴随这个作品的一些描述性文字：
在《非声音物件》中用到的声音都是采录自现实声音事件，是“真实世界”声音，又经过计算机处理的。作品架构基于三个层面。一，Denis Smalley 所谓“光谱形态学”（spectro-morphology），基本上是一个和 Pierre Schaeffer 非常接近的观念，也更接近于我们通常所理解的西方艺术对于“音乐”的认识；二，“音景”（soundscape），我们切身体验到的可辨识的日常生活环境声音；三，“互结”（interconnection）的观点，也就是前面提到的两个对立层面的互相冲突、互相摩擦、互相碰撞、互相渗透、等等等等。这第三层面是个重点，他关系到可辨识声音的“重置入”（recontextualization）以及这一过程所体现出来的“意味”，尤其是突发的熟悉事件引起的识别反应，或者相反的，陌生的声音侵入到不同类却仍然熟知的声音空间里。“或者相反的”之前的半句描述其实就是对Pierre Schaeffer的揭短，记得没错的话具象网的研究文字里也有类似的观点，而“或者相反的”之后的半句描述正是对那些逻辑生硬的音景的一个扩充，结合这两方面意思，这个第三层面不正是对前两个层面的超越么？！
认识到这方面的理论梗概，我想我们也就同时具备了电子原音化音景创作的一个背景，或者说对真正意义上的开放式聆听能有更加充分的理解，那种抓过一个采样就用软件调作品而不对其内涵思考的做法和傻瓜式的模仿真是毫无区别。

2004.05.25
Justin Bennett -1998- Demolitions
《拆除》，荷兰海牙地区的音景，声音好似被过度降噪，人群的、工业的都消解在斑驳的噪点中，在这个沙海中，它们偶尔聚成一个岛屿，孤独并且模糊难认。处理手法过于单一，加上又是单一的城市环境，所以这张专辑显得枯燥了。
Ken Tankred -2004- Transmission II
这张CDR辑是年初JOHN DUNCAN / C.M. VON HAUSSWOLFF / LEIF ELGGREN合作的《Untitled》前一百份拷贝的附赠碟。长音，超级长音，Kent Tankred 是瑞典声音、视觉艺术家，生于1947年，早年学习绘画，后来在EMS（瑞典电子原音音乐协会）学习，88年开始同Leif Elggren展开合作，95年他们又共同支起厂牌Fireworks Edition。他用自己做的乐器——“Concresizer”——里用键盘操作不同种类的声音雕塑………
Denis Dufour -1991- Notre Besoin de Consolation est Impossible a Rassasier
Denis Dufour，INA-GRM机构重要作曲人之一
Stig Dagerman 是个瑞典文学家？一个痛苦的文学家吧，他在年过半百之时写下了大量的故事短篇和诗歌，然后在他自家的车库里用汽车废气杀死了自己，他认为自杀是告诉这个完蛋世界that生活休想让他沮丧痛苦 的一个途径，他终于用这种方法对与年俱增的精神煎熬狠狠的说了一声“No”。然后就是1991年 Ina-GRM 干将 Denis Dufour ，他用 Dagerman 的文本《完全绝望宣言》玩了一部绝望的“电子原音电影”，就是这张《Notre Besoin de Consolation est Impossible a Rassasier》，这部听不懂语言但能听懂声音的凄情大作彻底让我趴在地上，我对 Denis Dufour 操控声音元件的能力近乎崇拜，包括对人的语音在情绪上、基调上的软硬处理，成熟到位，巧妙的要死，比如你听着某句法语念白，他的速度恒定，但音色上却是从慢速到快速的增加着，也就是说，他首先要在现实中速度由快至慢的朗读文本，然后做由长到短的拉伸。声音，则更加复杂，他能将非常短的各类声音组织在一起儿无任何突兀感觉，这些声音在空间中从不同方向以不同姿态交错运动，忽而又一切都归乎平静，气氛变得窒息，忽而又念白骤起，残酷的宣告着什么（听不懂）….只因在英文世界都无法找到任何此专辑的详尽介绍，我们可以做一次真正的“纯粹聆听”了。

2004.05.27
Steev Hise -1999- Original
掠夺声响，john oswald 和 steev hise 比较着听，一个加拿大，一个美国，究竟是谁更有创作上的难度，似乎应该是前者，因为oswald的东西从来不侧重雕塑，而是在剪贴上狠下功夫，我认为这可是比借助软件做掠夺式的循环拼贴要高难的，steev hise 明显会挖苦人但不懂幽默感，那些狗屎评论说他用剃刀划破了大众文化的咽喉，未免夸大，因为steev 很多作品明显做的不如oswald细致，甚至有时方向上已经接近纯粹电子原音，是在美化一些东西，而非掠夺声响的通常乐趣。《Finale from Requiem for (Un)dead Popstars》比较好玩，有点 carl stone 作风。

2005.01.04
Tucker Martine -2004- Bush Taxi Mali_ Field Recordings From Mali
以“Field Recordings”做关键词搜到的这个专辑，Sublime Frequencies这个厂牌不好，几张音景都感觉不够开放，因为里面一味出现地方色彩浓重的民间音乐，而这些通常在我看来是属那种保守的FR，一旦这方面的比重加大，就意味着对该处的独到的声音挖掘得不够，声音，声音，听了那么多的world唱片谁还用你去跑到那里FR些小乐团的玩艺，没劲。
没意外情况的话Sublime Frequencies就听这一张就够了。
VA - Hungarian Soundscapes
匈牙利音景，这个集子有四首作品，来自匈牙利的四位艺术家：Gyula Pinter、Janos Decsenyi、Laszlo Sary、Miklos Sugar。他们都有传统的作曲家身份，但在这里却都创作了音景，可以从个别地方听出他们的这种背景——给音景加上了器乐与歌唱。总的来说，匈牙利式的音景如果就是这个样子，那么他有两个特点：1，严重的浪漫主义情结；2，严重的电子原音化。不得不抬大音量听他们，每一处声音都细腻考究，重质重地，并且都是特别的轻盈、养耳、想象力丰富，有时甚至会认为他根本就是电子原音而非音景。无论如何，这张专辑很棒。

2005.01.20
Li Chin Sung (李劲松) -1996- Past
声音关乎他个人、亲朋、周围环境，声音是在92-95年间创作的，声音吵闹并且时常令人无所适从，这就是李劲松在Wire杂志曾博得年度20佳第五位的专辑《Post》，Tzadik发表（John Zorn中国行之最大收获），这都是老黄历了。这张专辑很多月前在stroszek的嘴里说出来就显得很不一般，今天听了反而没什么感觉，一些采样的处理方法不是很适应，“should go over big with Otomo Yoshihide fanatics”，但我并不同意这样的看法，李劲松在这里的做法和大友并不相同，更加激进，更加不安，更加有表达欲望，即便是从表面上似乎感觉不到这一点。无论如何，先行者。

2005.01.22
VA -1995- Only in America
Arf! Arf! 唱片专门搜略60年代的老调、稀奇古怪的音乐和全然一新的声音，至少他们的主页上是这么表明的。《仅在美国》意思当然就是只有在美国才弄出的这种怪怪的音乐，鸡飞狗跳，狼嚎鸟叫，胡作乱闹，走音跑调，就是这个样子了。仔细听这些怪力乱神之老调，可以找到披头士登陆的余澜，民谣音乐的干涉，甚至先锋派的奇妙影响，那是一个杂种国度本就该有的杂乱风范，是一种嫁接传统中本就该有的多样形态。03年《仅在美国》还出了第二辑。
CD封面是匹兹伯格卡通艺术家Wayno的作品，http://www.wayno.com/

#### [歪酷博客时期] ##########################

2005-02-14
Christian Renou -2003- 7 kisses
一次性，不终止，即时感受，近耳聆听，亲密描述。
Kiss 1，七分四十三秒：
猝不及防突然开始，持续的躁动，刮刺感，筒内戳动音，水般轰鸣，长正弦波，增加音量，在某一点破，索刺转动感，沙噪间歇配壳击效力回荡，增加失真感，左右相分，渐出。
Kiss 2，十四分七秒：
打点，变缓，持续良久，密颗粒起，同时点加密，带粗糙的磨砂感、转动感，颗粒从头再起，打点，一个突然失真，进入空茫，静默，酸性的杂痕起，机械电子喉咙的周期性哽咽，细腻的棱刺，逾加稠密，几经周转，退去，人在颗粒中隐隐语，颗粒渐无，渐出。
Kiss 3，十分十七秒：
摩球感，高频波，转孔般啸动，频率中速滑动，啸动继续，渐无，丝点中漫入大空间中的底盘刮动，快速消失，空茫，啾动，高频微波略伴，继而高频波再次引入，啾动不止，几经反复，升频啸动，一高限后忽然进入朦动、球搓滑感，渐增强，急停。
Kiss 4，九分十秒：
渐入，破，多变低噪，沙感，消低，笃定频率杂音波，短噪，机械般敲动，周期的短噪，喷气式空中轰鸣般的背景，持续，逐渐仅剩此声，渐弱，渐出。
Kiss 5，十八分五十一秒：
嘀一声，无声，随后颗粒起落，瓶颤击感，配嘀数声，固频晃动，瓶颤击，如此多时，瓶音色变化，微观化，琐细无痕，六分后如入雪野，嘀变作扣动声，出大噪点，密集，更密集，又散去，伴慢正弦扫动，固频起，十分后又密集，扣动声变作电击感，后又转为嘀，如此起落长久，最后大空间中的一次扩展，接两相细球粒搓杂，突停。
Kiss 6，六分十七秒：
固定短频几声重复，蝉鸣出现，低频噪，刮破点隐现，起落，慢调率出现，后期加突兀颗粒段，高频低音噪，渐出。
Kiss 7，六分一秒：
背景固频波，略带空茫，持续六分，渐出。

2005-04-12
Eric La Casa -2004- Nuées
幻想与幻境孰先？Acousmatic的问题是否可以描述成这样。
声音最后脱离本来面貌，人为使其具有新的“内涵”，而这内涵是否能够依照聪明的头脑提前拟定？或者说根本就没有什么Acousmatic，全是莫名其妙的探索之后武断的定义，且是完全不能向后声音的自身情境靠拢的语汇，生硬的粘在了声音体上，完全违背了其真正内在？

2005-04-24
大和丝竹 (Yamato Ensemble) -1993- 日本竹笛和尺八的艺术 (The Art of Japanese Bamboo Flute & Koto)
此乐团演奏的五个曲子里有四首是古曲，第一首就是八橋検校的创作，此人是将日本尺八月从宫廷share到全民的重要艺人，它是个瞎子，所以也开拓了残疾人演奏尺八的新纪元。呵呵。
《残月》（峰崎琴）和《鹿の遠音》（黑泽琴古）都是很棒的自然印心声的曲子，尤其是后者，那种鹿的悲泣般的叫声通过乐器拟仿出来，将人带入到一个悲伤的氛围中，一种没有言语的倾诉中。八重崎検校《八重衣》也是抒情曲，只不过是直抒，表述一种生存者的孤独、悲观。增田耕造的《山路》是1980年创作的，所以这首听起来较容易感受、融入，增田耕造是韩国人，自日本学习音乐，他的音乐具说受到了很多德彪西和中国美学的影响。

2005-07-18
Lionel Marchetti -2001- Sirrus
这是邱汉英建立的的厂牌Auscultare发行的第十四张。法国艺术家 Lionel Marchetti 的这张专辑让人不免产生一些困惑，因为你不能纯粹的说它是具象音乐或实验电子，因为它的结构中并入了小程度的电子成分，调变和进程发展，则充分展现了纯电子原音的魅力，它有一些突然的起伏或意料之外的转换，而不干扰系统的和谐。作曲上是学院化或准学院化的，是拟诗学的。陪衬音乐的文字是和他合作多年的 Olivier Capparos 提供的，Olivier Capparos 的文字中描述了循环、火、泥沼、天空等等自然法则，此描述和音乐能有多大的联系尚存疑虑，不过我们可以从第一轨《微气候》中听到类似泥石流以及火焰之类的声音原型，而大部分则是深度的调变，完全要靠冥想完成概念聆听。《微气候》带有漂浮在黑暗中的紧张感，那种无法将思绪依托在任何声音符号上的紧张感，伴随这种紧张而进入一个陌生的地带，充满动荡，它是评价很高的一个作品。第二段《天狼星》除了用了合成器之外，似乎还用了器乐具象，多半是献给斯托克豪森的，但私以为“天狼星”的概念不好掌握，它涉及到太多的词语——原始、永恒、更替、征兆、神秘…….所以不是你单单用一些缥缈的元素构筑二十分钟的大氛围就能吸引听者的，那需要稀释太多的想法和负想法，才能对得起这个众星之首。最后一段《通路》，很可惜我只弄到了两分钟的片断来听，不过恰好，大家对他的评价都不是太高，结构涣散，主题不明，甚至背景可能还用上了泰勒明琴？？？？

2005-09-21
VA -1996- Bunker Archeology
“堡垒考古”
藉由堡垒式的建筑结构汲取灵感进行的创作
Noise Museum 发表
此唱片以工业化的电子创作著称
整张风格不完全统一
但大体以Ambient 为主线
其间有soundscape、electro-acoustic的运用
表现冰冷、废置的神秘意境
新意创意一般

2005-11-28
Barry Truax -2001- Islands
一些观点总结起来大概就是，认为这张利用了环境声音创作的专辑可作为音景入门者们便宜认识现行此类创作的一个重要窗口，片断叠合、颗粒合成、人文情愫，以及 “浪漫的”想象力，Truax 所拥有的特点从这个十年段搜集的作品集中全面渗透出来。“岛”不仅是简单指涉着利用环境声音和电子原音技巧进行音景创作的事实基础，同时还是这一独特概念性创作的形式标签——比如19分钟的《岛》——声音从海岸线延伸到内陆的溪流树丛山峰再延伸到那边的海岸线，用声音构想出一个凌驾现实之上的岛。素材上，很多作品里进行了多重处理，而且所用的某些城市的实地录音也并不是指定的地点，没有强调地域色彩，显然，Truax 的环境主义不是空泛的找那些局部案例剖析人和环境的辩题，而是从整体把握，巧借现实环境声音来表达他的内心田园景致。诚然这种偏于“声响浏览”的做法细细端来显得有些保守，但不失为一种富有思考性并且极容易淀化为传统的探索方略。

2005-12-12
Biosphere -2005- Dropsonde
Biosphere 是我曾经研究较全面的艺术家之一，着重聆听、详细评价过他所有的专辑，包括和其他人合作的专辑，从早期笨拙的Techno到晚期荒凉的极简 ambient，不过我仍然认为，如果说Substrata或者Cirque 是他的经典，是招牌式的象征性的段子，那么相比较而言最具灵性的乃是与　Higher Intelligence Agency　合作的Polar Sequences　，不知为何，我总是倾向于这个作品，那里面真正的带有冰冷的极地采样，冰块撞击调变后的音色也是永生难忘。到了《月亮》的时候，我几乎是失望得绝望，比shenzhou 差远了，我搞不清是音乐荒凉还是创意的荒凉。而今年，这个《探空仪》没能带来惊喜，爵电在短短几年里就已经走向终点，偏偏他的方向靠拢到这种僵死的形态上来，一端又一段的loop以及毫无新意的音色让人怀疑这个流行家是否是在酒醉之后玩起了迷幻游戏，醒来之后干枯极了，境界有时候也是扯淡的概念。

2005-12-19
8rolek -2005- Umpomat
8rolek 是波兰厂牌 Mik.Musik 的悍将之一，目前的状态是玩世不恭、逻辑错乱、能用双 Laptop 完成一次抽象行走，在他的作品里，很多处理听不出音源居然是一些器乐声音，除了《我和 B.B. King》一小段带有类似 Zavoloka 的做法。8rolek 家曾有一只达尔马提亚狗，这种狗的唯一缺点是——它脱毛——长年的而且到处都是，连麦克和笔记本里都是狗毛，而 8rolek 认为他自己做出来的音乐就是这种狗毛的声音。“脱毛音乐”？？听起来似乎有那么一点形象味道，是从那种松垮垮却又自成一体的节奏结构中散发出来的，但论到独创性，我想 8rolek 还是坐在巨人们的肩膀上 Laptoping 呢。

2005-12-24
John Duncan -1998- Mort Aux Vaches: Seek
Mort Aux Vaches 系列 John Duncan 篇，不同于 Duncan 通常那种用性、死亡或实地录音进行的创作，音源用的是收音机短波波段的噪音和计算机产生的杂音，而这五个片断竟是为广播电台做的。无须过多描述，突突、沙沙、嗞嗞，基本上就这些内容，所以像《Hymn》这样的作品如果在一个短波电台的节目中播放，一定会让刚刚打开半导体的老友一通调台，而这个“Hymn” 的标题更加让我们这些专门聆听者误解此作与 Stockhausen 有何联系，而实际上，它是纯短波噪音的调变叠加，作品里面可谓“荒无人烟”。另一个作品《L’Attesa
》意为“等待”，是 Duncan 在荷兰生活时同阿姆斯特丹人 Ciro Iamarco 合作的，开始的时候像老猫在打呼噜，后来就只有像鬼魂呜咽一样的中频噪音，我一直等待着改变发生，因为这个作品叫等待嘛，六分钟后真的发生了改变，伴随着一声微弱的闷响，噪声不见了，接下来的一分钟都是沉寂，只好继续等待这个作品快些结束，Duncan 带上这个作品可能是为了缅怀他这位因为艾滋病死掉的朋友。另外三个作品：一个叫《混乱》，另两个无标题，没甚好讲。

2005-12-27
Akifumi Nakajima (Aube) -2005- Water 1990
听过 Aube《Substructural Penetration 1991-1995》(1998) 之后一般都会认为，这位声音的设计者早期的作品在音量上一点都不吝啬，你目瞪口呆的时候也是他的调变打磨你的纸盒的时候。但是今年，新出现了一个叫 Kokeshidisk 的小厂牌（其实是Taalem的分支），他们本着挽救被忽略的声音以及反对限量发行的原则，尝试让我们再次惊讶，原来中岛昭文真正早期的作品，也就是在 Aube 之前的声音，其实是那么的让人舒服啊！他对水的热爱由来已久，而这个1990年的水音乐是为了东京的一次艺术展览所作，当时仅以磁带形式发行了50张。水声的处理明显地偏向于日式的声音美学，但中岛不是用水声作单一音源，他还用合成器制作背景，因此可以说这张专辑包含了几个较为纯粹的 Ambient 作品，而且氛围精到，冷感十足，尤其第四轨，让人一下子就想起1994年以后的 Biosphere 。

2006-01-04
VA -1980- Musica Futurista
这个未来主义音乐集子是意大利钢琴家 Daniele Lombardi 1980年策划的，所以不可避免的会有很多钢琴曲在里面，其中就包括未来主义的启发人 Balilla Pratella 所作的不彻底作品、和《机械芭蕾》有关系的Silvio Mix的钢琴曲、Virgilio Mortari 的《惊奇剧院的狐步舞曲》，以及 Luigi Grandi 献给Daniele Lombardi 的作品《混战》等等，未来主义宣言人马尔蒂尼的作品除了宣言和《阿德里亚诺波利斯战役》之外，还收有《五个合成广播声响》，但这五段概念化的作品并非历史录音，而是1978年Daniele Lombardi 依据马尔蒂尼乐谱（精确的说明了使用到的音乐、声响片段和位置）重新录制的。还有 Luigi Russolo 的《城市的觉醒》，对发动机引擎与马桶冲水的象征性利用，很好地说明了未来主义运动的初衷。而Aldo Giuntini 二十年代末的作品《马戏团里的印度气球人》则显示出未来主义后期的折衷化倾向…….. 一年又一年，除了缅怀再缅怀，真不知道聆听还将有怎样的革命性进步。

2006-05-15
Nikos Xylouris -1971- Rizitika
继续听希腊音乐 里兹提卡 Rizitika
我没找到太多关于Rizitika的说明
甚至不知道怎么翻译成中文
在英文里 Rizitika 有 rebel 之意 造反歌？
因为地域历史上受过东罗马和威尼斯统治的缘故吧
起起落落 后来成为西克里特岛的婚嫁、洗礼用乐
分为“桌曲”和“路曲”两种形式
桌曲就是用于宴会 尤其是婚宴上
而路曲则多用于婚礼仪式 比如迎亲、挪嫁妆什么的
乐曲凝重 拉弦和弹拨为主 缓慢配唱
而舞曲部分又十分欢快 有复杂连奏
这张是Nikos Xylouris 1971年的唱片
去年百代 Remaster 了一下
算是幸运

2006-05-18
667 -2004- I 667 Se Tragoudia Tha Ta Elegan Ke Moni Tous… Aa Itane Kiries
继续听希腊音乐
667是由多个经验丰富的本土音乐家组成的团体
专将一些希腊音乐和声音作混音
无论传统还是流行
都汇集到一张碟并使其风格化
音乐如同在爱琴海中漂泊
Keti Garbi 的《微风》甚至直接伴着海水隆隆的回响
还有其他四位女性歌唱家
他们是Dimitra Galani，Vakia Stavrou，Mariletta和Beba Blans
都是响当当的人物 各自唱了一首歌
667给每首歌混两个版本
整张专辑就是这个样子
充满深情
一上耳朵就被感染

2006-06-06
Tetuzi Akiyama (秋山徹次) & Jason Kahn & Utah Kawasaki -2005- Ailack
Creative Sources 唱片，由器乐与电子音乐创作者Ernesto Rodrigues在里斯本创建，近两年发行了很多实验、即兴及电子原音唱片，这张《Ailack》取名自日本东京的画廊“Kid Ailack Art Hall”，秋山徹次和另外两人，Jason Kahn 和 Utah Kawasaki 于04年年初在此画廊即兴演出，去年的四月份由Creative Sources发行该录音。这是一张不太上耳的极简即兴，大段平淡的点状化去特征的弹击以及反馈失真构成了音乐的主要内容，音乐时长34分钟，曾有人拿它和日本AV中的某些前戏情节作比。不过在最后，还是有很热烈的掌声响起，显而易见时下这种音乐还不会为缺少听众发愁，Ailack，lack。

2006-07-21
Alvars Orkester -2006- Interference
瑞典小团，八十年代起受大多数工业团如测试部、SPK影响，作品呈现病态的噪音结构，间杂斑点化的扭曲的人声，创造出不确定感的碎片拾取效果，所谓“电子梦境”，在《扭曲真实领域》一轨有很好的表现，这一点同其他工业团体区别较为明显。

2006-08-17
eRikm -2006- Sixperiodes
经常和别人合作的eRikm今年单发了《六时段》。六段作品是近年来为一些视觉艺术、舞蹈等所做的配乐。即兴过程中用到具象采样、黑胶、MD等。音乐抽象。有含混的节奏性。质地、做法和前年同Luc Ferrari合作时略作比较，大部分仍是采样-剥离-循环架构起来。素材上甚至包括音乐，如与Ferrari中的“一小片”《命运》，《六时段》里稀稀落落撒了一些钢琴段落。孤独或者安静之处聆听。却又不是欣赏一坛死水。尤其第六轨，给人留下一种很难磨灭的特殊印象，像是……

2006-08-21
Paul Lansky -1992- Homebrew
因为音乐的亲和而谐趣的将 Paul Lansky 翻译为波兰斯基，这真的只是音乐，从音乐出发的声音的音乐，实实在在的响当当的乐符，用勺子，用盘子，用各种身边的器具，盛出。知觉，犹如充满对水、对空气的渴求的植物，尽情的浸入到音乐中，调律化的声音，片断化的声音，调律与片断具象竞相掩映铺陈的声音。Paul Lansky ！用数十年的知觉的历练带给我们十足的舒缓！

2006-08-25
Ingram Marshall -1991- Alcatraz
《恶魔岛》，极简主义作曲家Ingram Marshall 80年代的作品，是和他的摄影家朋友Jim Bengston一同合作的，即专辑发行的时候除了音乐，还附带一本影册。Ingram Marshall 思索的是，图像 与音乐，他们如何用一种“意义深远”的方式结合在一起，两人一直认为存在这样一种方式，让图像和音乐能够各自独立地阐释自己的意图，但同时又能让两者相互“告知”。基于这种共识，两人寻找素材主题，展开合作。他们选中了旧金山湾内的恶魔岛——曾经用来关押重罪罪犯的监狱，后来因被用作电影拍摄场地而成名，开发为旅游场所。恶魔岛萧索、荒凉的环境气息同时能从两人的作品中反映出来，Ingram Marshall 多次去该岛进行实地录音，从水面、动植物一直到监狱里金属大门关闭时产生的巨大回响。只是专辑制作中仍然没有丢掉正统极简的作曲手段，声音出现的时候也是伴随Ambient化的轨迹不断被loop，也许这和Jim Bengston的摄影能有相合之处也未可知。

2006-09-25
I.E.M. -2005- 1996-1999　　　　　　　　　　　
 I.E.M. 不是一个固定的创作团体，核心人物是 Porcupine Tree 的成员 Steven Wilson，他召集了一些朋友，近十年来出了一些零零散散的辑子。Porcupine Tree 就很熟悉了，后摇滚这个词语刚刚风行之时是不能不见识的一个团，音乐中借鉴引用了一些前卫摇滚的东西，而 I.E.M. 则有很深的 Steven Wilson 个人烙印，他迷恋六七十年代的迷幻、Krautrock 以及 Sun Ra 为代表的宇宙爵士，几种元素融合，作品也都是容易让人浮想联翩的大长轨，过瘾。《1996-1999》是由1996年处女作和1999年的EP组成的，其实它比 Sun Ra 更加地吸引我。

2006-10-09
C-Schulz -2005- 5.Flicker Tunes
又一个被称为“Cult”（邪典）的听觉创作者，C-Schulz，即德国的 Carsten Schulz，长期以来研究声音的振颤与振颤的声音，并以此建立自己的“音乐语言”。此专辑很容易让人联想到今年的电影《神啊神，你为何离弃我》，里面的两位主角把塑料管子安装到电扇电机转轴上，发动电机，离心力作用下空气由管子中流过，发出周期性的嗡鸣，这可是典型的“Flicker Tune”吧，估计对工业和电子着迷的 C-Schulz 早就试验过这些了。此专辑是他十五年来首次完整呈现该方向上的努力，其中还有 Mouse on Mars 参与一些器乐声音的制作，但都在混音中和其他具象片断一起做了拉伸等处理最后形成现在的作品形态。这些声音很容易催眠人，我想去看 C-Schulz 制作这些作品一定比听声音成品更有意思吧。

2006-10-18
Jeph Jerman -2004- Derelict 1
Jeph Jerman 从80年代中期一直活跃到现在，其间经历了几次大的创作转向，逐渐贴近声音、贴近聆听。近年来很多声音合辑里都出现过他的影子，比如《声音自然，自然声音》、《Lowercase》（2000）、《醒悟》等等，但都没怎么注意。直到不久前听 Vital 周刊，里面选了 Jerman 和 Greg Davis 合作的《Ku》的一小段，浓烈的混杂的声响流体，清晰地传入人耳。其实《Ku》只是在后期混用了实地录音和电子原音手段，最开始是两人用一些石头、预制或损坏的打击乐器等等小玩意作的人工现场，而《ku》的那种两层面摩擦是我一直感兴趣的东西——无论这两个层面是电子原音-音景式的，或声响即兴与环境混录的，都体现着一种在控制与被控制之间挣扎的状态。于是想听更多的 Jerman 作品。但对后来得到的几张都有些失望，比如这张《Derelict》，全辑延续一种接近僵死的思维状态，每一轨一个质地，既不是它们要发声，也不是他要发声，被“遗弃”的录音并没有借他的自发行CDR起死回生，反而在和早期具象割裂论极度类似的声音态度中断气。同是实地录音，比较而言，如果要靠对真实世界局部的关注而寻找一种新聆听希望，我还是宁愿去听角田俊也。

2006-11-01
John Cage -1990- Empty Words [Part III] Live
空言。
骚动。1977年12月2日，John Cage 的“空言III”在意大利米兰的李瑞克剧院上演，说他是上演，但其实只有 John Cage，一杯水一盏灯一张桌，和一个麦克。入场的观众有很多是非常激进的左派青年学生，因为听说一个“革命性”的作曲家来到了米兰，于是纷纷买票一睹庐山真面目。可是，两个多小时，Cage 一直都是有条不紊的发出 ahhh、ummm、ohhh 之类的声音，没有具体的内容。观众开始按捺不住，开始争吵，叫喊，哄嚷，再到后来，唱歌，跳舞，敲鼓，打口哨 … 如此“陪伴” John Cage “慢条斯理”的声音一直到演出结束。这个事件被认为是二十世纪最后一次最严重的艺术骚动。
何以空言。
释义。1974年8月8日晚，也是 John Cage 空言最后一部分公开发表的前一天，他在广播里接受了采访，并谈到了空言的一些情况。大意是说他对语言含义的意义产生了兴趣，他想让英语的含义越来越少，因为语言有了确切含义被人理解后，人类才互相控制，诗意才消失。他的朋友诺曼•布朗也有跟他一致的观点——“语法即是敌人”。因此 Cage 想借空言来解除语言的武装。空言每进行一部分都是从语言向音乐性递进的一步，开始的时候，他念出的内容没有完整句子，只有短语、词、音节、字母；到了第二部分，短语被排除，只有词、音节、字母；到了第三部分，词也被排除，只有音节和字母；而到最后一部分，就真的“空”了，只有念字母的声音。空言的所有字词音节都是用《易经》的方法从享利•大卫•梭罗的《瓦尔登湖》里选出来的。我想，即便拿到今天，大师的心机，也仍是招致众人不解。

2006-11-14
Luc Ferrari -2006- Son Memorise　　
我现在才知道 Sub Rosa 是按照三部曲式出 Luc Ferrari 的专辑，第一部是《轶事》，一年前听过，琐碎的实地录音掺杂电子的浮光掠影作；第二部就是这张《Son Memorise》（记忆），收录未发行过的《Almost Nothing # 4》、90年代阿尔及利亚瓦德省声音散步为基础的创作以及2002年同时使用具象与电子创作的《Saliceburry Cocktail》；最后一部好像还没出，据说是 Ferrari 的最后作品——为电子设备、钢琴和中提琴作曲。
《Son Memorise》似乎体现出 Ferrari 的创作立场在不同时期的些许差别，《几近于无第四号》以孩童语声为主要基调，附带的具象音乐特征非常明显，如对个别声音细节的循环、拉伸等，而《交响漫步》则偏向于音景、游记式，声音片断以不易察觉的方式进行转接，其自述文字也渗透出着意直接感受环境声响、感受世界的某种倾向。《Saliceburry Cocktail》则是由简短的实地录音开始，随即遁入纯作曲世界中，带有强烈的主观情感色彩，各种声响元素（一般声响、人声、器乐、电子）密集奔突在整个声响空间和时间轴上，像一首急促紧张的迷人诗歌，尽管曲中一个左冲右撞的鼓击音色令人厌烦地不停出现…

2006-11-21
Francisco Lopez/Andrey Kiritchenko -2005- Mavje
有人拿它和02年 Gaspar Noé 电影的二十八赫兹低频配乐作比，后者曾引起观众离场及个别生理不适。这不是lopez最安静的作品，不需要借助音频编辑软件寻找波形。当然如果你是劳累一天之后想从这张专辑找些刺激 … … 情况会复杂些。它分成好几段，而且没有过渡概念，没有变化章法，不可能出现的地方出现，可能出现的地方出现不可能，你会入睡也会突然惊醒，结果可能更累。这个双人组的另一位，Andrey Kiritchenko，乌克兰人，Nexsound 的创始人，创作范围从具象、即兴、长音、电原到微声，无所不包，因此两人合作当有诸多益彰。作为一个普通听者，面对这不变却变不可测的听觉幻物，的确要放弃很多审美架势，然后随便幻想幻想随便：超低频为硬盘伴奏，昆虫大雨从天而降，一窝小鸡在壳里磨喙试戳，大喷气式于万尺开外悬停飞行… 其实非语言可蔽之。另外个人承认想从这五十多分钟的声音里体验不同快乐是需要付出一点耐心的。2006 -11-20 深深夜。

2006-11-30 　　　　　　　　　　　　　　　　
王长存 -2006- 平行宇宙
还像他的上一张专辑《拦愁山》那样分成两个大长轨。不同的是，《拦》辑两个部分是不同的创作，而《平行宇宙》的两轨统一表现一个宏大的主题。第一轨，带有非常隐蔽的叙事性，以《金刚葫芦娃》朗读版的采样做掩映开端，平缓的频调背景之上不断垒建躁动的调变结构，约莫在黄金分割位置将躁动推到一个极限值，尖刺密匝如同流瀑，然后“回温”，结局。第二轨仍然留有第一轨那种声相相位差的做法（大音量听可以撕裂你的听觉），不过进行的更加无常，仿佛连作者都不知道控制要进行到哪方去，迅速更替的声音块预示着无穷尽的动机。背景铺陈几乎消失，作品变成了一幅点线云集的听觉图，当然这只是暂时的，大概又是到黄金分割位之后时，那图景便一换再换，作者对声音细微质地的关注使得聆听变得莫可名状起来。最奇怪的是结尾，突然转到一段年轻人嬉闹的语音录音，自嘲？玩笑作？回应开端？抑或其他“玄妙”？不得而知… 期待科幻续集。

#### [碎冰群博时期] ######################

2007-01-08
David Tudor & Gordon Mumma (2006)
大卫•图德是在1996年8月13日去世的。2006年9月“新世界”唱片出版发行了这张十年怀念式专辑。
我现在耳边响着的正是图德的作品《雨林》，最初于1968年为坎宁安的舞蹈所作，并在巴西进行了首演，这是一个真正的电子音景，一个必定会掺杂个人想象的模拟现实/假现实。图德说：“我技术上的根本观点，扬声器应该有他自己独特的语音，而不是作为一个复现的工具。”《雨林》用到的有：留声机头、振荡器、多声道扬声器和其他电子元件。没有磁带！没有对现实的录音！但是最后做出的效果让你一听就进入他藉由 Colin Turnbull 《森林里的人们》为灵感所创设的雨林，一个凭空依靠反馈、电子信号调制种植的雨林。
一个有目的的控制某种技术并实现自己意图的尝试。在今天看来似乎很少有人肯费这些功夫，“实验电子”…. 玩儿一个新软件，发声音，改变参数，当发出的声音足够新奇怪异，就给那个声音起个名字，录音，出唱片，我觉得时下的“实验电子”多半都是这个模式的——技术在玩儿人。
回到专辑，专辑中除了68年的首演版本，还多加了一个次年在纽约科内尔大学的现场录音，四十分钟，声音更丰满，结构更成熟，风声、雨声、蝉鸣声、各种鸟兽叫声，间歇掺杂于静谧中频频上演。这两个版本之间，是戈登•穆马同时期为两架钢琴所作的几首作品，其中 Mographs （模块）系列是根据地震纵波（P-Wave）与横波（S-Wave）原理作的一些散碎片断，迅速震击几个音符，然后余音在弦上萦绕… 最后一曲是穆马的《无言歌》，是他得知图德去世消息后即兴作的一段钢琴曲，缓慢凝滞，难以言说的哀念…

2007-05-07
VA -1999- Riverrun / Voicings - Soundscapes
这张合辑分成两部分，第一部分是语音创作（人声艺术、声音诗之类），第二部分是音景作品。可以听进去因为这张合辑有60轨，每段都很短，而且都是从一些很不错的声音艺术作品中甄选、节选出来的，有的作品极其优秀。另外它有一定的声音蒙太奇轨迹，所以整个能连起来从头向尾听下去。它反映的最明显的事情就是世界多元性，通过不同种族语言与语言之间的摩擦碰撞、通过不同国家、城市之间声音的对比，来突现这种多元性。别的糟糕之处不想说。其中一个《“不”之庆典》，剪取各语种中的女性拒绝的言语重新拼贴成，30多秒，我之所以单拿出来还是因为这种玩应能焕发人的快感，就是快感，再“ 拒绝”（说”No”）也有快感，这种感觉其占有额度远远强过多元体验或者些许女性主义色彩的东西。这个很有点讽刺意味，因为我最早体验这种感觉是从一个荷兰一分钟影像节的作品里，它剪辑了所有电影中台词有”Fuck”的部分，高速蒙太奇，后来我甚至效仿它去剪接国语流行歌中的“爱”字发音。前后比较来看，那个一分钟影像是男人从视觉上要“Fuck”，而这个半分钟声音则是女人从听觉上说“No”，甚有意思…..

2007-06-05
Zafka（张安定）-2007- I·Mirror
　　凡工作不断求助电脑设计的人，必然懂得现实的虚拟性和可操纵性。他开始明白真实的现实是多么贫乏，且多么易于作美学的塑造。关于青年一代如何轻而易举在人工世界中塑造自身的问题，老一辈人或许依然所知甚少。
——沃尔夫冈·韦尔施《重构美学》
我听到的是 Zafka（张安定）的新作《I·Mirror》，第一耳朵参与到的就是“创生”，这么说是因为第一轨的开头（无论是否刻意安排）你能听到水的声响，清晰可辨，层次分明。接下来就是各种混杂的层叠着的声响，他们大部分都有对应的现实中的可辨音源，他们大多都是一再重复循环出现，他们的铺设无明显逻辑可循。注意，这些素材全部都是作者从目前最火热的网络虚拟世界 Second Life（第二人生）中实地录音所得，“实地录音”这个词语在此是否适用可能需要探讨，因为这个辑子无疑具有鲜明的首要例证性，也许需要新的词语。大约半年前的时候，我已听说 Zafka 开始漫步于 SL 中，他的博客在当时也是国内最早关注 SL 的中文博客之一，尽管也好奇，我当时还是没想过那个虚拟世界中的环境声音如何，装上客户端后只听见机箱内“咔咔”作响，担心从网上掠取的大量 mp3 会随着硬盘一起玩完——这直接威胁到我的“第一人生”啦，所以匆匆卸载了它。现在好了，这个专辑作的及时而新鲜，提醒你注意——“哎~ 那里面也有一个声环境”，新世界，无法穷尽，各种面向。
按 Zafka 所说，素材基本上未经任何过深调变（不可思议），混音后的《I·Mirror》俨然如在那个世界历经一次听觉旅行，但这旅行如此不定，时空感几乎完全丧失，作者在其创作论述中也指出：在 SL 中，“人们不需要聆听空间内的声响来感知环境，辨识方位”。我们可以仔细听并分析这其中的声音种类，也可察觉出作者一再强调的“过分符号化”特征，所以明显的地方即在于此：在 SL 的世界里，空间方位的感知相对于现实世界是带有缺失性的，但有趣的是“领地确认”意识却并未随之弱化，虚拟公民们利用具有代表性的声响符号将这种意识注入到一个极度简化了的听觉系统中。可以说，这一过程偏向于一种精心、纯粹的设计，从而达成从严格的现实向虚拟幻境的透析、过渡、映像。
在我考虑，SL 里应该会涉及到很多全球化的问题，从这个专辑的解读来说，这个问题并不能让你通过具体的声响细节对之进行分析归纳或者进一步思考，它没有反映出来，或者反映出来的是“捣碎”了的全球化征声响，不得不考虑即便 SL 的采样限制机制也从中起效，换句话说，我们无法明晰那种混淆究竟是 SL 世界本有，抑或作者后期混录使然。不过其中有一个我们从感官上即可分明的事情——“具象音乐”。听者不妨将此声音专辑连同作者本人以及 SL 世界看作一个整体（或织体？），那么声音在这个整体中的流转过程和传统意义上的“具象音乐”的生成如此贴近。首先，SL 居民完成获取具象元素提取的任务，包括对音源的选择、声音的剥离、向下一环节的提供；接下来 SL 系统初步播放这些具象元素，通过循环一方面抹消了部分现实性，一方面以节奏呈现使其音乐化（按具象音乐论调分析），“虚拟声环境”就此混合而成，但其实这只是一个粗糙的具象音乐体；最后一步，作者从中二次采集，再混音的时候个人的声音观念发挥作用（包括客户端界面操作声音的介入），这个大具象音乐作品变得愈加复杂也就可想而知了。综上，两次混合的结果就是听觉上短程的可预知与长程的不可预知，有点像非晶态固体的微观结构特征，这就是我所认为的这张专辑的直接听点所在，是妙而可言的混淆、混乱、混沌。
所有现时沉迷于网络的人，尤其那些彪悍的网络音频海盗们，是不该错过这个作品的，而且得出的观点很可能与如上所述完全不符，因为时髦的话题理应带有争议性。

2007-07-07
VA-2007- Bargrooves: The Ibiza Summer Collection
VA-2007- Buzzin Fly Volume 4: Mixed by Ben Watt
VA-2007- City Life Florence: By Bini and Martini vs Presslaboys
VA-2007- Global Underground Afterhours 3
VA-2007- Renaissance presents Sequential Vol 2: Mixed by Hernan Cattaneo)
是　＼　燥　别　即　＼　式　加　主　色　程　执　多　方　间　点　厌　有　＼　单　一　身　不　只
不　明　＼　物　能　易　的　俯　流　极　度　的　美　向　或　＼　弃　虚　幻　又　些　体　论　谈
能　显　我　＼　体　上　＼　首　电　端　＼　自　好　＼　者　要　的　构　想　复　特　性　聪　形
理　＼　不　这　察　瘾　就　帖　中　特　层　我　体　我　＼　否　是　或　是　杂　别　＼　明　式
解　无　懂　种　到　＼　都　耳　的　征　次　培　验　享　某　定　那　者　也　的　灵　不　与　＼
此　论　这　声　其　而　是　＼　这　化　分　养　＼　受　一　的　些　循　＼　音　性　过　否　首
味　如　其　音　机　且　一　对　类　＼　明　过　同　这　因　是　给　环　不　色　的　＼　的　先
＼　何　中　＼　理　一　种　己　形　发　＼　程　时　一　素　具　不　特　摒　致　地　单　＼　是
或　阐　差　有　＼　旦　高　而　式　觉　起　＼　这　基　＼　体　同　征　除　幻　方　聆　而　身
这　述　异　些　思　接　纯　言　倾　自　伏　清　也　准　绝　某　的　的　自　＼　＼　听　一　体
就　＼　具　人　之　触　度　＼　向　己　得　晰　是　所　非　一　聆　影　认　此　那　也　般　性
是　他　体　听　揣　到　理　具　＼　越　体　＼　一　带　一　轨　听　响　为　幻　是　能　的　＼
奇　们　因　来　之　＼　性　备　并　来　＼　至　个　来　种　＼　划　＼　的　＼　＼　从　浩　身
妙　终　何　却　＼　几　亢　这　对　越　节　极　十　的　类　某　阶　我　世　非　非　中　室　体
所　究　而　觉　判　秒　奋　些　之　注　拍　地　分　那　型　一　的　所　界　迷　常　发　要　性
在　还　起　枯　若　内　剂　形　大　意　音　感　偏　么　或　瞬　观　要　带　幻　简　现　求　是

2007-10-11
Joe Colley -2007- Hive
一些简单情况：Joe Colley / 美国加州普莱瑟郡 / 蜂巢作音源 / 电容麦克和立体声接触式麦克录取 / 合成器调变 / 献给他爹 / Colley 他爹是个养蜂人 / Ferns 厂牌第三张 / 三寸唱片 / 之前 Northam 作的一张也向他的爹致了敬。
Ferns 的基调是倾向于声音的处理和调变，但如果是蜂巢，纯粹录音其实能恰好满足我的渴求（应该是有过这种实地录音发表吧），甚至一个钟头也不会觉得腻烦，原因是多方面的，其中一个就是蜂巢的声音体系有这种特性，能让听者得到一个封闭的欣赏体系，它包拢的建筑形象或者蜂群严谨的社会结构似乎都在给我们留下这么一种印象，他们自成一体，它们既不需要外力牵引导生聆听的产生，又不需要分杈衍生聆听来产生更多的好奇吸引力；蜂群的声音是一个极好的音云（团），群中的每一因子在任一时刻都在改变着自己的三维路线、姿态、频率和协调性，关注到这个体系无疑从此方面昭示着听觉模式的放大，振动发声、相位、合成等等都是未经人为刻凿便具体、完美地进入到认识论审美之中的（这句的表述有问题）…..

2008-03-03
NASA Space Sounds -1995- Celestial Love Songs
天体情歌，宇宙音景。迷人的专辑，我不知道它到底是不是经过调变处理才变成这样的，据说这并不是收集无线电或射线信号转成的声音，而是太阳风和行星电离层交互作用产生的离子共振，其中有一部分频率是在人耳听觉阈值之内的，美国宇航局称其为“声响波”，是“真正的星球音乐”，怎么录到不得而知。11轨涉及：地球、天王星及其卫星与光环、土星及其光环、海王星、木星及木卫一。
…
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The Painful Leg Injuries -2007- The Quiker are the Encumbered
Lona 唱片 3” CDR。不好，卢梭罗又从坟墓里蹦了出来！
Xucheng -2007- 070919
Brainwave 3” CDR。不乱猜测动机，单从作品本身考量，这是一张非常好的专辑。他用到的素材只是几句言语组成的一段录音。然后这段录音被切开，颗粒尺寸并不同一，逐簇重构，作者从声音上通过循环创造出“在场”的静置幻象，以及更复杂一点的“重间隔”（Re-spacing）游戏，从而使原符号系统扭解、歧义。我认为国内如此纯粹、精致的创作实属难得。

2008-03-10
Syllyk -1992- O Comme Icare
Syllyk 由 Eric La Casa 和 Sylvie Laroche 组成，专辑以希腊神话为主题，氛围浓厚，人声部分都有很大回响，电子原音，尤其多处用到水声调变，不易辨识。整张专辑给人一种干涩的形式感，好似从某些cult工业中脱生出来一般。
Syllyk + Koji Marutani (丸谷功二) -1996- Other-wise
这专辑我反复听了多遍，而且哪次也没能完整地从头听到尾，要么就是睡着了，要么就是厌烦至极拖拽进度。两个人在对待素材的方式上一致用多个片断搭建整体，而且这种连接往往不具有注意力的连续性（虽然Eric La Casa比丸谷功二尚要有技巧的多），但我不害怕在这些不连续上的流戾，生存要面对的亦包括这些，我所害怕的是极度审美伦理，刻意考虑声音的可辨识性，以及对从声音中寻找乐音痕迹的“锲而不舍”，比如像最后一轨《Ouroboros 5》。
Chiang Liwei -2008- Experiences
Xie Zhongqi -2008- Kurojawan
Xie Zhongqi -2008- Live at Nanhai 2007
细细听来，Archival Vinyl 出的这三张唱片，是一样的！一样的颗粒一样的微观一样的混沌一样的跌宕起伏……而且都没能让人睡着，因为听不到一分钟就会想去拖拽进度嘛，结果拖完了以后还想再拖…
Yao Dajuin -2008- Dream Reverberations
Reverberation 是“回响”、“反响”的意思，而 Yao Dajuin 给专辑的中文名用的是较为诗化的“残音”，突然想起，把原全本《Dream Reverberations》找出来再听，这个单曲版选自原辑的第4和8轨。《梦的残音》是作者1997年为装置和电影所作的音轨，素材均采用人生念白，颗粒合成实验。这里我想拿它和去年 Xu Cheng 的《070919》作比，两者有某种同一性，他们使用的素材都是女性语声，都选择了解构的方式进行创作；而 Xu Cheng 作品如果比作是分子级研究的话，那么 Yao Dajuin 则在那个时候切入到了原子级，或说是切入到精确的音位（Phoneme）层面，结果使两者各有益彰，前者表现为位错的暴动，而后者则冷却后将这种位错清晰呈现，这一冷却有十年之久？
2RqP5k -2008- Antechre Live in Shanghai
Antechre… 封面字体看上去像 Autechre 刚刚发的《Quaristice》的设计，而音乐活生生直仿到 Autechre 2005年《Untilted》之后的演出形态。《Live 1.0》的录音结果简直把 Autechre 当时在底特律等地演出现场的空间气氛也模仿了来，就差酒瓶子撞击和小青年嗷嗷叫的声音没出现了。但我想我不会从头到尾听这个。
Bowerbirds -2007- Hymns for a Dark Horse
“ 献给黑马的赞美诗”，美国北卡罗来纳洲的一个三人独立民谣团，手风琴 Beth Tacular 擅长用各种废弃物作画，主题涉及工业与生态、城市与乡村、幻想与真实的冲突，此专辑封面即是其作之一。Bowerbird 是澳洲园丁鸟，雄鸟擅长用各种惹眼的材料搭窝来吸引雌鸟。Bowerbirds 想要让自己的音乐听起来像“扔进鱼缸里的小鹅卵石”，平和安静不惊扰任何一条鱼。工作累的时候倚在一旁放上这个小专辑，什么都不想，（由于什么都不想这段文字没能结尾）
First 8 -2007- In Tune
作者本名 Mickael Turutanov，来自乌克兰的年轻电子音乐人。20多分钟的小辑复合实用了电子、吉他、实地录音多种方式来构建细腻的氛围化的音乐，索然的旋律和淡化的结构加上慢悠悠的情调和不知所谓的录音掺杂，实在听不出它有什么能让人留下点印象的地方。
Yoshio Machida (町田良夫) -1999- Hypernatural
町田良夫《过自然》，真是过犹不及，看照片里封套设计非常下功夫，照片啦、鸟毛啦、小孔成像啦，但是声音上非常吝啬，最简约的时候仅有几声电子啁啾，简直把人憋死。不过最后一轨用了一段中国贵州苗族民歌磁带采样，很有意思，我对凸显磁带材质着魔。作者在唱片页上还强调：“在日本，也有苗族的传统和神话。” 我突然想起三池崇史那个《中国鸟人》。
VA -1997- Resonance Volume 5 Number 2: Retuning Radio
Resonance 杂志某期，主题涉及文本声音、基于人声的创作、对话概念等等。
17 Hippies -2001- Berlin - Style
17 Hippies -2004- Ifni
17 Hippies -2006- Sirba
这样的乐团总是能从大半个欧洲吸取传统，德国民谣、爱尔兰音乐、圆舞曲、克莱兹默、巴尔干/吉普赛甚至法国香颂等等，而且总是容易变成狂欢场面，专辑中也经常突然由录音室音轨变成现场录音，拍手或飞哨不绝于耳。2001年的《柏林风格》几乎就是现场，而2006年的《Sirba》风格更加杂糅，有趣的是和库斯图里卡的最早和最新电影音乐都碰了碰头。
Alireza Mashayekhi + Ata Ebtekar -2007- Persian Electronic Music: Yesterday and Today 1966-2006
Sub Rosa 去年的双张Split辑，收录两位伊朗实验电子作曲家的作品，Alireza Mashayekhi 被认为是伊朗电子音乐的先驱性人物，Sub Rosa 认为他是未被关注的，但其实2004年的时候，Earlabs 就在网上重发过此人的一张作品辑（最早由 Retro 唱片1980年发行），在那张专辑的四首作品里，《作品第66号，Yaad》（回忆）和《作品第75号，Saba》（Chahargah 1）是这张《波斯电子音乐》里同样收录的。Mashayekhi 将欧洲学习到的电子音乐作曲技巧和伊朗音乐传统结合，对结构进行激进实践，比较着听，Mashayekhi 的音乐充满反预期的冲突，民族音乐元素以一种近乎无形的状态在其中闪现（如《Shur》），而今天 Sote 这种完全拿民族古典做声效处理的玩应明显缺乏脑力投入；Mashayekhi 对东西方问题有思考并且也纳入具体创作中（如1973年《East-West》，Earlabs那张则收有《East-West II》），而 Sote 一代陷入单纯表达对这些早已无知无觉。两者完全不可同日而语，却同入一辑。但无论怎样，再想想我们呢… 我们是否对这些问题存在焦虑呢…
Barry Truax -1991- Pacific Rim
此人的大部分个人作品在我脑中已无深刻印象。这张老辑可谓是一个颗粒合成瓶子装各种素材酒，好到很好，烂到极烂。收有1987年的《The Wings Of Nike》（另得一单曲版，比这专辑中多一乐章），此作是与Theo Goldberg合作的视听作品音轨，素材为男人与女人的语声，颗粒合成中基本在语义形成层以下以平滑频调推移，现在听来也没多大意思。《太平洋》四部分从太空摇滚般的潮声调变开始，逐渐进入到海港的鸥鸣向船只机械轰鸣的形变境界，但是最后一乐章令人诧异的是以华人舞龙的锣鼓鞭炮声做素材，而且处理得嘈杂刺耳吵闹难听，宛如中邪或中邪之后请人来跳大神一般。
Christopher Willits & Ryuichi Sakamoto -2008- Ocean Fire
关于坂本龙一，我们知道他最近几年的作品有很多是和别人合作的，而且音乐方向上也发生了转变，这张仍然是一种延续。但是我能听进去的原因大概和他去年11月份与高谷史郎合作的装置有关系，我翻译了相关的WMMNA报道，装置名称为“生命”，以水雾立方为幕投射图像，伴以坂本的音乐，“氛围、极简电脉冲、层叠的合成器或平静的雨声和渐响的风声片断”，“两人这样的做法，是希望通过他们的实验到达一定的智慧”。那么这氛围有点个人对存在的直观感悟？或是有那么点“禅味”？“海洋之火”……海洋那边的坂本龙一，扔下钢琴音色玩起Laptop调变的时候，海洋这边的王长存，依偎在Keith Jarret的钢琴旁把玩正酣。这种“共时”的差异，对链接一切的听者来说倒是极有趣的。
VA -2007- Fly on the Wall (DJ Compilation)
WFMU 电台去年博客上每月选辑中的一期，主题是昆虫，12轨都和昆虫有关：Sarah Peebles、Chris Watson 等人的昆虫实地录音，以“蝴蝶”为题的古典作曲，歌颂昆虫的世界音乐和爵士即兴，标题中带有“蜘蛛”字样的民谣小曲，昆虫般伶俐微细的电子或电子原音，从电影短片中挖出的苍蝇声效，等等等等。

2008-03-17
Gel Abril -2007- Very Wrong
偶然得到的 Techno-House 小单曲，取名“非常错误”，但一点不错，够深够纯，我觉把它装进 mp3 散步也是很兴奋的事情。
VA -1999- Female of the Species
Law & Auder 厂牌的老板 Phil Earle 当时回首发行历程，发现所有唱片作者竟全是男性，所以萌生了出一张女性艺术家合辑的念头。这个念头可能是一时血热或聪明过度，实际上涂黑反白地，它可以被某些目光皎洁的女性主义者们引用为“唱片工业史上的菲勒各斯主义罪证”。合辑电味浓重，感觉敏锐往往透出几分病态的绝对个性气息，而我从无限多元的 soulseek共享界翻出它来主要还是为了“认识”更多的作者，然后期待顺藤摸瓜遇到惊奇或着惊喜，但现在听来，线索寥寥。
Sleepytime Gorilla Museum -2001- Grand Opening and Closing
不知道从什么时候起就存在着的一个RIO乐团，RIO就是所谓的“对位摇滚”啦。他们具有的典型特征包括：社交广泛朋友多；嗓子听起来像抽过烟，演出气氛像喝过酒；音乐总是搞得很邪门，乐迷一般都有信邪教的资质，等等。最不一样的地方就是，他们有个小提琴手兼女主唱虽然声带发育可能不是太有效果… 他们还总玩些玩具钢琴或自制乐器什么的，有时候朗诵诗歌有时候在光在舞台上喘气或打呼噜，然后教徒们在下面吹口哨叫好，等等。但是建议去年叫作什么什么“ 光辉岁月”的那张专辑就不用听，表现平平。
Robert Normandeau -2001- Sonars
Normandeau 的幻声作品集，收录1985-1999年间六段作品，这位跨出学院派大门并获奖多多的魁北克电子原音作曲人在节奏、运动的处理上有着某种不变的情结，这情结使得《行星》中的六段作品听起来“都差不多”。他的颗粒素材也经常用到人声，而且多半处理得不可辨识，喜欢在沉寂后放置突然被触发的声音事件，然后就是节奏、运动与层次摩擦，我在似睡非睡间听过这专辑，有稀奇古怪的格式塔式的幻听。值得一提的《Eclats De Voix》（1991），这曲在以前一些合辑中多次听到并且留下极深印象，各触发点的冲击力都比其他几个作品更强悍更美妙。我记得最近一次听 Normandeau 是他2005年的《谜》，也是只有一曲感觉极好，有种视觉上的通感：物质炸开，其坚硬华丽的碎片飞溅到四周后再次发生混沌地撞击….
Chris Watson + Jana Winderen -2006- Holystone
两个大老爷们背着不老少设备（估计也挺值钱）冷呵呵地跑大老远，然后录到的只有三十分钟的几近无声（偶尔闪过两声微弱的鸟叫）以及这样的一条结论：蚂蚁活动的地方比他们想象的要深。两个人要是还掉进洞里出不来的话，就可以拍一部电影了。
Haruomi Hosono -1973- Hosono House
VA -2004- Mix Form (Mixed by Haruomi Hosono)
看到这个“Hosono House”再联想细野晴臣的电子音乐，我猜测他的早期个人处女作是——浩室（House）舞曲？结果是一张时长只有半个点的小摇滚，而且很受乡村音乐、节奏布鲁斯之类的音乐影响，他在这专辑中的感觉又非常松弛，听起来就会把它列入… 七十年代那种非常纯真的富有激情的音乐里。
再到三十年后的细野晴臣，给 Prog.Form 作 DJ Mixing，把青木孝允、半野喜弘等人的Glitch小电半聪明舞曲装到一盘里，但这并不是天差地别，而是表明你个人的能力水准能让你在每个时代的时髦浪潮中冲起的高度其实都差不多，New Wave 时代的他也不例外。
VA -2006- Art of Field Recording: 50 Years of Traditional Music Documented by Art Rosenbaum
这里的“Field Recording”主要是以非录音室的方式记录民间音乐，是很多世界音乐厂牌的工作方式，这位 Art Rosenbaum 纵横美国五十年，记录了很多珍贵的民谣，这张是一个 Sampler CD 。我不相信什么鬼扯蛋的“原生态”概念，只是专辑中人们在各种不同的环境气氛中，背景中声音的余响无不在表征这一点，而且音乐也不需要任何的排练，对着话筒就开始，伴奏的敲击也不一定非要什么乐器，几个人拍手也能行。Rosenbaum 收集的不只是音乐，还有生活的标志。
VA -2006- New Zealand Electronic Music
从无到有时总是那么富有激情。1975年时的一张新西兰电子/具象音乐合辑，前年 Creel Pone 发行了CD版，这张合辑中除了 Douglas Lilburn 之外的其他五位创作者都不是为人们所熟知的，所有作品都创作于1966至1975年间，广泛结合早期的电子音乐、磁带音乐技术。Douglas Lilburn 的《Poem In Time Of War》（战争时代的诗歌）使用了一段非常好听的越南民歌，其后引出长段带惊骇感的电子调变，大概是在越战期间所作。Jack Body 的作品已经很成熟地使用人声作为素材，Ian McDonald 的拼贴则显得更大胆更激进。推荐！

2008-06-09
VA -1988- Another Coast (New Works from the West)
一张很不容易找却值得费点时间去找的好专辑。这个辑子里收录了当时居于美国西海岸的五位电子音乐/声音艺术家，分别是：Carl Stone、Paul Dresher、Maggie Payne、Lartitia Compiegne Sonami 和 Paul Demarinis 。最后一曲 Carl Stone 的《Hop Ken》最具振作力，他完全将穆索斯基的《基辅大门》进行了肢解和重塑，再造后的听觉体具有完全不同的能够无穷跌宕下去的结构；Paul Dresher 在其两个作品《Other Fire》、《Water Dreams》中已深谙抽象-具象之间的贯通之道，将自然音景与电子音景合而为一，而且是那么地得体、妥帖、富有意境。Maggie Payne 则特征鲜明地将引擎在空间中划过的录音用在了他的作品《Airwaves》中，向听者呈现出与空气紧密相关的幻景，它让我不断地想起了赫尔措格1970年的影片《Fata Morgana》（蜃景），显得缥缈的表象持续透射出内在蕴含的巨大力量。其余两人的作品较乏味，扭捏啰嗦也不美，不提了。

2008-06-16
Dave Liebman -1975- Drum Ode
又一个 ECM ，萨克斯风，音乐上融合能力强大，打击乐用得得体，在音乐中常常是阶段性的嵌入，比如曲目前两分钟只有吉他表现，然后Tabla出现了，感觉为之一换，但丝毫不觉得生硬，马上投入到更美妙的另一个世界中，或许还是同一个。据说给 Dave Liebman 影响最大的是 John Coltrane 的鼓手 Elvin Jones 。
Architect -1998- Galactic Edge
正探索此人98年之后的作品，Architect 本名 Daniel Meyer，聪明派的 Drum & Bass，模式灵活地变更产生出聆听上的趣味性，更主要的还是音色的把握，一听起来就知道创作者的某种气质，是其他人所不能达到的… 比如零散而短暂且屈指可数的几片人声采样，调到冷峻在适合的位置闪现，整个曲子的每一处“建筑细节”都有这种能找到通性的感觉，曲子因此变得耐听。